PAQUITO GUZMAN!

Paquito Guzmán

 CRONICAS URBANAS!

Frank Guzmán Géigel, o conocido mas popularmente como Paquito Guzmán, es de esos cantantes de larga data, las generaciones jóvenes lo identifican con su éxito 25 rosas, pero su gran trayectoria alcanza muchas agrupaciones y muchos estilos, yo personalmente lo escuché con la gran orquesta cachana del maestro Joe Quijano.

Paquito nació en el Hospital Presbiteriano de San Juan, Puerto Rico, el 20 de noviembre de 1939.

 Pasó su infancia en la calle del Tren de Cataño, en el corazón urbano de la ciudad. Desde pequeño reconoció a Cheíto González (famoso cantante, compositor y guitarrista puertorriqueño), como su principal referente e influencia musical. Junto a su amor por el bolero, en su adolescencia fue cultivando un gusto especial por la música de Rafael Cortijo y su Combo así como por el son montuno.

Con 18 años de edad Paquito tuvo su primera experiencia profesional en el mundo de la música al participar en el programa de televisión «La Piña De Los Teenagers», que produjo Tommy Muñiz, para Wapa Televisión, Canal 4. Pocos años después, el cantante pasó a participar en «Teenagers Parade», también en el Canal 4. Ambas experiencias, en las que destacó por sus interpretaciones musicales con tríos, le permitieron acercarse al ambiente musical puertorriqueño y a conocer a otras figuras jóvenes que, al igual que él, más tarde despuntarían sobre los escenarios.

 En La Gran Manzana

Cerca de cumplir los 20 años de edad, en 1959, Paquito Guzmán decide emigrar a la ciudad de Nueva York; con el objetivo de conseguir un trío de voces y guitarras con el que cantar. De este modo, Paquito se mudó a la casa de un primo hermano suyo en la avenida Fulton, en el Bronx. En la Gran Manzana conocería a Johnny Montañez, comerciante puertorriqueño y dueño de una tienda de discos en Clermont Parkway y Tercera Avenida, quien le dio trabajo y le propuso grabar un disco de 45 rpm.

Con tal idea en mente, Paquito localizó a los miembros del trío Los Originales para que lo acompañaran en varios cortes del disco, en lo que sería su primera cita en un estudio. Junto al trío grabó seis temas en tres álbumes, aunque sólo se llegó a publicar uno, en 1960, que incluía el vals «Yolanda» y el bolero «Mi martirio», inspirado en la obra del compositor también puertorriqueño Rafael Monge.

Con el Conjunto Cachana de Joe Quijano

A pesar de no tener éxito en un principio, en el transcurso de 1960 surgió la primera gran oportunidad musical de su vida, al ser invitado a formar parte del Conjunto Cachana de Joe Quijano. La experiencia junto al Conjunto Cachana situó al cantante entre las figuras más sobresalientes del ambiente musical caribeño de Nueva York.

Eran los años de esplendor de la pachanga, un baile que entró con fuerza en el ambiente musical neoyorquino a principios de los años 60’s, y que tuvo en Joe Quijano a uno de sus máximos exponentes, con una agrupación que incluía a músicos de primer orden como Bobby Valentín (trompeta), Hermán González (trompeta), Bobby Nelson (flauta), Pedro Pérez (piano), Lidy Figueroa (bajo), Luis Goigochea (conga) y Chiqui Pérez (timbal).

 De esa manera, Paquito Guzmán logró en 1960 su primer trabajo discográfico de la mano de Joe Quijano para el sello Spanoramic con el título «A Cataño». Ese mismo año también produjo Volvía Cataño. En ambos álbumes el cantante destacó por sus interpretaciones de pachanga, boleros y guarachas.

Sus próximas producciones con Joe Quijano fueron: Mr. Pachanga en Changa (1960), La Pachanga Se Baila Así (1961), Everything Latin (1962), Dance To The Bossa Nova, The Mambo, The Cha Cha Cha (1962) y The World’s Most Exciting Latin American Orquestra and Revue (1962). El primer éxito que obtuvo con la orquesta de Quijano fue con el corte “Bimbi”, en el 1962, el cual combinó con un baile en el programa Teenager’s Matinée de Alfred D. Herger. Además en 1962, Paquito Guzmán optó por abandonar el Conjunto Cachana, a pesar del éxito que había alcanzado, siendo sustituido en el grupo por Chaguito Montalvo y Willie Torres.

De Regreso a Puerto Rico

Tras haber obtenido una valiosa experiencia en una de las mejores orquestas de Nueva York, en pleno auge de la pachanga, Paquito Guzmán regresó a su Puerto Rico natal a finales del año 1962 movido por una oferta para cantar con la orquesta de Mario Ortiz. Sin embargo, esa opción laboral no se concretó de inmediato y el cantante recibió la invitación para formar parte del trío Los Primos junto a Rafael Scharrón y Tatín Vale, en reemplazo de Julito Rodríguez. Permaneció nueve meses como parte del trío, sin llegar a realizar alguna grabación.

Paquito Guzmán finiquitó su paso con Los Primos tras recibir una propuesta del maestro Tommy Olivencia, quien lo invitó a ingresar en su orquesta, substituyendo al cantante Luis Lebrón. La invitación se produjo justo cuando la agrupación había sido contratada por un programa de la emisora de radio WKAQ.  En ese momento, la orquesta de Olivencia, que se había concentrado hasta entonces en la interpretación de los éxitos de la Sonora Matancera y Rafael Cortijo, comenzó a exponer una propuesta musical propia, estableciendo un sello de identidad sonora que se acabaría convirtiendo en su fórmula del éxito, contando con Paquito Guzmán y Chamaco Ramírez como vocalistas.

 Producción Discográfica con la Orquesta de Tommy Olivencia

La primera producción discográfica de la orquesta fue Trucutú, publicada en 1963 por el sello Tioly, incluyendo los temas «La Comay», «Este guaguancó», «No molestes más», «Tommy’s Special», «Casabe con longaniza», «Oye mi consejo», «Busca otro amor», «Lloré por ti», «Mi Puerto Rico», «La vecina del lado» y «Trucutú». La carrera artística de Paquito Guzmán con la banda de Tommy Olivencia comenzó en breve a dar frutos, hasta el punto de que en poco tiempo se convirtieron en una de las bandas favoritas del público. Los éxitos continuaron con la publicación del álbum Jala-Jala y guaguancó, de 1965, un proyecto concentrado en la interpretación de boogaloos, calipsos, guaguancós, guarachas y boleros, que como el anterior disco, brilló por la excelente combinación vocal que producía el dúo formado por Chamaco Ramírez y Paquito Guzmán.

En 1967 se publica La nueva sensación musical de Puerto Rico, primer trabajo de Paquito y compañía con el sello Inca. Dos años después, en 1969, llegó Fire-Fire, el cual es considerado la consagración musical de la orquesta al ser el trabajo con más ventas del momento y su puerta al éxito internacional, recibiendo invitaciones para tocar en países como Panamá, Perú y Colombia.

Entonces en 1971, ya convertido en toda una personalidad artística de relevancia nacional, Paquito Guzmán alcanzó el momento más brillante de su carrera, con la publicación del álbum A Toda Máquina..!, el cual incluyó el gran éxito romántico «Sin compromiso». Para este trabajo, el vocalista cambió de acompañante vocal, apareciendo junto a Sammy «El Rolo» González en reemplazo de Chamaco Ramírez.

Poco después se publicaron Cueros, Salsa y Sentimiento (1972), Secuestro (1973) y Juntos De Nuevo (1974), este último grabado de nuevo junto a la orquesta con Chamaco Ramírez. Pese a la popularidad alcanzada con la agrupación salsera en esos años, Paquito decidió abandonar el colectivo tras grabar Planté Bandera en 1975.

Últimos años

Durante la segunda mitad de la década de los 70’s, Paquito Guzmán grabó varios discos en solitario, entre los que se encuentran: Paquito Guzmán (1972), Escucha Mi Canción (1975) y Mintiendo Se Gana Más (1977). Trabajaría a lado de Tommy Olivencia hasta 1985, ya que después se lanzaría como solista con trabajos como Champán y Ron: Las Mejores Baladas en Salsa, de 1986, que hasta hoy es considerado un álbum pionero de la salsa romántica, Tu Amante Romántico (1987), Aquí Conmigo (1989) y El Mismo Romántico (1990) con éxitos como: «Cinco Noches», «25 Rosas», «Y Es Que Llegaste Tú», «Que Voy A Hacer Sin Ti» y el hit «Ser Amantes».

Desde los años 90’s Paquito ha grabado algunos álbumes de estudio más, incluyendo notables colaboraciones, tales como Romanticole (2002), con Juan Manuel Lebrón. En adelante Paquito, continúo realizando de manera esporádica actuaciones en directo en su Puerto Rico natal.

Su última presentación

Una de las últimas apariciones públicas del artista fue el viernes 19 de julio 2019, en un homenaje que se le hizo en Cataño. Paquito estuvo feliz con la estrella que se develó en su honor.

Su última presentación fue el 20 de noviembre de 2019, con el gran junte de Paquito Guzmán, Charlie Aponte y Andy Montañez, en medio del Crucero de la Salsa de Z-93, conducido por el locutor Néstor Galán »Búho Loco». Donde cantó a dúo con Andy Montañez el bolero “A Mi Manera” (de Marcelino Guerra),  obsequio de su 80 cumpleaños; desde que tuvo el accidente (la caída) y ha estado luchando con la enfermedad, no había podido cantar, pero Charlie Aponte en su show en el crucero le cumplió su deseo de aunque fuera una canción poder cantarla junto a ellos.

Y como dice Coco Dávila, 25 rosas en su tumba al gran maestro!!

#MasSalsaquePescao!

Y decídete mi amor o Déjala que siga andando

 Y decídete mi amor o Déjala que siga andando

El titulo original es 'Y decídete mi amor' (Déjala que siga) compuesto por el cubano José Antonio Méndez hacia el final de la década de los años 40. La primera gran interpretación de este tema fue del cubano Tito Gómez con la Orquesta Riverside, luego la interpretaría a su estilo la Eterna Sonora Matancera con la voz de Vicentico Valdés y a la que le pusieron 'Decídete Mujer', después tendríamos la versión de Héctor Lavoe con arreglos de Johnny Pacheco en su última producción que realizaría el jibarito de Ponce, acá en Perú también está la que hizo muy al estilo de Héctor de  Pacho Hurtado, luego la que nos diera la orquesta Aragón y finalmente tendríamos la que ejecuta el gran conjunto libre de Manny Oquendo con la voz del sonero del siglo XXI Hernán olivera, cada uno a su estilo, siendo muy difícil decir tal o cual es la mejor, lo que si nos  demuestra que cada uno de ellos le da ese sabor particular que de acuerdo al tiempo que fue interpretada, nos brindan ese gusto tan especial que tiene este estupendo tema!.

Mas Salsa que Pescao! Perú

Tito Gómez con la Orquesta Riverside

Hector Lavoe

conjunto libre de Manny Oquendo

Pacho Hurtado

Sonora Matancera con la voz de Vicentico Valdés

Aragon de Cuba

Son Habana de Cuba

Charanga Cubana

ÚRSULA HILARIA CELIA CARIDAD DE LA SANTISIMA TRINIDAD CRUZ ALFONSO

ÚRSULA HILARIA CELIA CARIDAD DE LA SANTISIMA TRINIDAD CRUZ ALFONSO 

Nació un día como hoy 21 de octubre de 1925 en La Habana, Cuba.

Fue una cantante cubana que interpretaba son, son montuno, guaguancó, rumba, guaracha, bolero y salsa entre otros ritmos latinoamericanos.

Desarrolló su carrera en un principio en Cuba, luego en México, país donde además pertenece a la llamada Época de Oro del cine mexicano.

Posteriormente en Estados Unidos Celia fue una de las más destacadas cantantes y mejor pagada del siglo XX; rompió mitos convirtiéndose ella misma en un mito, marcó pautas y estableció un hito en la historia de la música cubana y latinoamericana.

Ella es la figura que creó un estilo único y una imagen icónica de insuperable atractivo gracias a un don difícilmente repetible, estableció un lugar de respeto para las mujeres que interpretan la música popular por lo que es el paradigma y la bandera de la liberación femenina en la música popular, con su potente voz y magistral interpretación. Trasmitió su mágica y alegría contagiosa en territorios más lejanos abriendo el camino a los artistas latinos.

Celia también hizo famosa la palabra "Azúcar" que adoptó y quedó en la memoria como su frase identificativa y que ella gritaba como anuncio carnavalesco incitando a la diversión. Celia con un talento sin precedentes e incomparable se convirtió en un ícono y baluarte de la música a nivel mundial y es la cantante hispana que más cariño y seguidores logró en el mundo. Su carrera es un legado invaluable y referencia ineludible para las futuras generaciones que con sus inolvidables éxitos marcó los capítulos más importantes de la música latina logrando ser una personalidad aún vigente, querida como La Reina de la Salsa, La Voz de la Cultura Latina, La Guarachera del Mundo, La Reina Rumba, La Reina de la Música Cubana, La Cumbanchera de América, La Reina o la Diosa de la Música Latina-

Nació en el barrio de Santos Suárez de La Habana. Su padre, Simón Cruz, era un fogonero de ferrocarril, y su madre, Catalina Alfonso Ramos, ama de casa. Celia Cruz compartió su infancia con sus tres hermanos –Dolores, Gladys y Bárbaro– y numerosos primos, y sus quehaceres incluían arrullar con canciones de cuna a los más pequeños; así empezó a cantar. Siendo niña, cantando para un turista consiguió calzar a todos los niños de la casa. Solía observar los bailes y a las orquestas a través de las ventanas de los cafés cantantes. Sin embargo, sólo su madre aprobaba esa afición: su padre quería que fuese maestra de escuela, es así que estudia magisterio, pero pudo más el corazón ya que cuando estaba a punto de terminar la carrera  la abandonó para ingresar en el Conservatorio Nacional de Música.

Mientras tanto, cantaba y bailaba en las corralas habaneras y participaba en programas radiofónicos para aficionados, como La hora del té o La corte suprema del arte, en los que obtenía primeros premios tales como un pastel o una cadena de plata, hasta que por su interpretación del tango "Nostalgia" recibió en pago 15 dólares en Radio García Serra. Más tarde cantó en las orquestas Gloria Matancera y Sonora Caracas y formó parte del espectáculo Las mulatas de fuego, que recorrió Venezuela y México.

Antes de ingresar en la orquesta Sonora Matancera, Celia Cruz participó en un espectáculo musical y comedia titulado «La corte suprema del arte» donde compartió escena con cantantes destacados de la época, como Aurora Linchetti. Poco tiempo después participó en la Radio Cadena Suaritos, junto a una agrupación que interpretaba coros yorubas y ritmos de batá, logrando por esa época su primera grabación junto al cantante Obdulio Morales. Los temas que grabó en ese momento serían incorporados más tarde a una de las primeras compilaciones de su trabajo en formato de Larga Duración. En 1948, Roderico Rodney Neyra fundó el grupo de bailarinas Las Mulatas de Fuego y Celia fue contratada junto a este grupo como cantante, alcanzando un gran éxito. En Venezuela es contratada para grabar sus primeros discos de 78 rpm por la disquera Comercial Serfaty respaldada por la Orquesta "Leonard Melody"

Llegó el año de 1950, cuando conoció al empresario Rafael Sotolongo quien la buscó porque quería que cantara con el Conjunto Sonora Matancera, ya que la cantautora Myrta Silva había decidido dejar la agrupación para retornar a Puerto Rico donde había adquirido una propiedad y quería disfrutarla, dejando disponible la vacante para una voz femenina. Su ingreso fue aprobado por el director de la agrupación, Rogelio Martínez. Al enterarse de dicha entrevista los directivos de la radio donde trabajaba, fue despedida arbitrariamente.

Existía un programa radial llamado "Cascabeles Candado" y cuya orquesta exclusiva era la Sonora Matancera. Un buen día, Celia luego de la entrevista con Don Rogelio fue a Radio Progreso donde ensayaban de lunes a sábado de 9 a.m. a 12 p.m., con el primero que se encontró en el estudio fue con el que sería su futuro esposo: Pedro Knight que era el segundo trompetista de la Sonora. Habiendo llegado todos los integrantes, ensayaron, pero no sonaba nada bien. Celia como tenía sus arreglos que no coincidían con el número de integrantes de la Sonora, se los entregó a Severino Ramos para que los adecuase, y que la llamaran para cuando estuvieran listos los mismos. Debutó con la agrupación el 3 de agosto de 1950. Inicialmente no fue acogida por el público, mandando cartas al director y a la Radio para que fuese cambiada,. Rogelio Martínez, teniendo fe en ella fue a su casa discográfica SEECO Records, cuyo director y gerente era Sidney Siegel. Allí hubo otra oposición, ya que el criterio de Mr. Siegel, como le llamaban, era que las mujeres no vendían discos y no podían atreverse a cometer semejante error, pero aun así, Rogelio convenció al dueño retándolo y es así que grabó el 15 de diciembre de 1950 en formato 78 rpm.

Fue tal el éxito que Mr. Siegel dio el visto bueno y así Celia empezó haciendo sus grabaciones con la Sonora Matancera, matrimonio musical que duró quince años. Sus éxitos inolvidables: Burundanga, Caramelo, El Yerberito, Tu voz, Ritmo, tambó y flores, Pa' la paloma, Nuevo ritmo omelenkó, Vallán vallende, La sopa en botella, en total registró 188 números.

Acompañada por la Sonora Matancera, Celia también realizó breves intervenciones musicales en películas mexicanas como Salón México (Emilio Fernández, 1950) y Una gallega en La Habana (1953), con la comediante argentina Niní Marshall.

El 15 de julio de 1960, ya iniciada la Revolución cubana dirigida por Fidel Castro, surge un contrato para la Sonora Matancera en México. Celia no imaginaba que jamás volvería a pisar suelo cubano. Cuando cumple el mes de estancia en México, recibe la noticia del fallecimiento de su padre Simón Cruz no pudiendo darle su despedida. Con la matancera Trabajaron en el Terraza Casino desde el 22 de julio del mismo año hasta el 20 de noviembre de 1961. Ese mismo año la Sonora y Celia viajaron a los Estados Unidos y comenzó a actuar Celia con la Sonora en el Palladium Ballroom en la ciudad de Nueva York. En 1962, se volvió a integrar con la Sonora Matancera siendo contratados por el empresario Guillermo Arenas. Adquirió una vivienda en Nueva York. Un día fatal para Celia llegó el 7 de abril de ese año, cuando se estaba preparando para actuar, recibe la noticia del fallecimiento de su madre Catalina Alfonso, que venía luchando con un cáncer terminal de vejiga a la que tampoco pudo acompañar. el 14 de julio de ese año se casaria en ceremonia civil con Pedro Knight. Luego hicieron gira por Europa con la Sonora Matancera y en 1964, cuando se encontraba en Japón, se presentó con Tito Puente.

En 1965, Celia culminaría una etapa vertiginosa de quince años con la Sonora Matancera. En ese lapso también grabaría con las orquestas de René Hernández y Vicentico Valdés y termina su contrato discográfico con el sello Seeco Records. Celia al quedar como solista, su esposo Pedro Knight decide dejar su puesto en la Sonora Matancera para convertirse en su representante, arreglista y director personal, el 30 de abril de 1966. En este tiempo, Celia Cruz había adoptado la nacionalidad estadounidense. Ese mismo año, Tito Puente la llamó para trabajar junto con su orquesta.

En 1966, Celia y Tito Puente iniciaron una asociación que dieron fruto a cinco álbumes musicales. También grabó álbumes con la Orquesta de Memo Salamanca, Juan Bruno Tarraza y una placa discográfica con Lino Frías, todos ellos ahora bajo TICO Records. Estos álbumes no alcanzaron tanto éxito como se esperaba, pero uno que otro número sí tuvo amplia difusión, como es el caso de Bemba Colorá. Sin embargo, después de ello, Cruz se unió a Vaya Records. y la hizo ingresar a la salsa. En 1973, con el pianista del sello disquero FANIA, Larry Harlow encabezó un concierto de música afrocubana en el Carnegie Hall de Nueva York. Allí Celia Cruz interpretó Gracia Divina, su primera canción de salsa y la puerta a este nuevo ritmo. El álbum resultante de este encuentro fue producido por el sello.

Celia firmó a largo plazo con la casa discográfica VAYA (Subsidiaria de Fania). Es así que lanza su álbum "Celia & Johnny en 1974 con Johnny Pacheco, que obtuvo disco de oro y Celia pronto se unió a la orquesta Fania All Stars, que era una combinación de los músicos de cada orquesta que tocaba para el sello musical Fania. Con la Fania All Stars tuvo la oportunidad de visitar el Reino Unido, Francia y Zaire. Siguieron las grabaciones con Johnny Pacheco. En 1977, graba su primer disco con el respaldo del trombonista Willie Colón, fusión que se repetiría en 1981 y en 1987.

En 1975, participa en el documental titulado Salsa, de Leon Gast, junto a figuras como Willie Colón y la diva mexicana Dolores del Río.

En 1982 se reencontró con la Sonora Matancera, y grabó el disco Feliz Encuentro. Ese mismo año también se le rindió un homenaje en el Madison Square Garden, y la acompañaron todos aquéllos que la respaldaron en su carrera artística y también artistas invitados.

En 1987 en Santa Cruz de Tenerife fue reconocida por la editora del Libro Guinness de Récords como el concierto más grande al aire libre, el cual se mantiene en la actualidad. A ese mismo concierto en la Plaza de España de Santa Cruz acudieron 250.000 personas (bailando la misma canción), junto a la orquesta venezolana del maestro Luis María Frómeta ("Billo"), la Billo's Caracas Boys. Esta fue su única presentación con esta orquesta, a pesar de su vieja amistad con el maestro Billo. Viaja a Venezuela para participar por primera vez en el "Miss Venezuela", llevado a cabo en el majestuoso Teatro Municipal de Caracas.

En 1988 participó en la canción: "Vasos Vacíos" con los Fabulosos Cadillacs.

En 1989 ganó su primer Premio Grammy por el disco que grabó con Ray Barretto, y también fue invitada para celebrar los 65 años de la Sonora Matancera en el Central Park de Nueva York, compartiendo escenario con sus antiguos compañeros como Nelson Pinedo, Daniel Santos, Carlos Argentino, Vicente "Vicentico" Valdés y Bobby Capó.

En 1992 participó con los actores Armand Assante y Antonio Banderas en la película Los Reyes del Mambo ("Mambo Kings"). También participó en el homenaje discográfico que se le rindió a la cantante y actriz hispana Lola Flores, grabando a dúo con ella su ya famoso tema Burundanga; participa por segunda vez en "Miss Venezuela", compartiendo escenario con su amigo, El Sonero del Mundo, Oscar D'León.

En 1993, bajo el sello discográfico del empresario Ralph Mercado (RMM Records), grabó su disco Azúcar Negra. En ese mismo año, se estrena como actriz de televisión con la telenovela mexicana Valentina, junto a Verónica Castro.

En 1994, Willy Chirino le produce el disco Irrepetible, donde canta a dúo con ella el tema Caballero y Dama. En este álbum se encuentran temas destacados como La Guagua, Mario Agüe de Pedro Luis Ferrer y Limón y Menta de la compositora Concha Valdés Miranda.

En 1990 logra viajar a Guantánamo (Cuba), para dar un concierto. Cuando salió de esta presentación se llevó en una bolsa unos gramos de tierra de Cuba, la misma que pidió que fuera colocada en su ataúd cuando muriera.

En 1997 acepta un nuevo reto en su carrera al protagonizar para la red televisiva mexicana Televisa, la telenovela dramática El alma no tiene color, un remake de la clásica película mexicana Angelitos Negros. Celia interpreta el papel de una mujer negra que da a luz a una hija blanca, personaje que en su momento interpretó la legendaria Rita Montaner. El 25 de octubre de ese año la ciudad de San Francisco declara oficialmente esa fecha como el Día de Celia Cruz.

En 1998 lanzó su disco Mi vida es cantar, del cual sale uno de los temas que la identificó desde entonces, La Vida es un Carnaval.

Otro hito destacable en su carrera ocurrió en 1999, cuando fue invitada por el tenor italiano Luciano Pavarotti para participar en Módena (Italia) en el concierto Pavarotti and Friends. También ese mismo año firmó un nuevo contrato con la empresa transnacional Sony Music para la cual realizaría sus últimas grabaciones.

En el 2000 es invitada al Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar en Chile donde se presenta con gran éxito y gracias a su simpatía y excelente calidad vocal es escogida por los periodistas que cubren el evento como la Reina del Festival de Viña del Mar. El mismo año es nominada al Grammy y lo gana por su álbum Celia and Friends, sin pensar que ese mismo año Tito Puente, fallecería mientras era intervenido quirúrgicamente.

En el 2001 gana el Grammy nuevamente por su disco "Siempre Viviré". Viaja a Venezuela para promocionar su disco "Yo Viviré", realizando una amplia gira por todo el país sudamericano.

En el 2002, grabó un nuevo álbum, La Negra tiene Tumbao, en el cual Johnny Pacheco fue uno de los productores y en el que incursiona en las variantes modernas de los ritmos caribeños, influidos por el rap y el hip hop.

Durante una presentación en México, sufre un percance de salud. A raíz de esto, se descubre que padece de cáncer en el cerebro (un glioma, tumor cerebral muy agresivo), sometiéndose a una operación para extirparlo a finales de ese año, para luego intentar retomar su carrera artística. Grabó un disco, su último, titulado Regalo del Alma. En el 2002, y a pesar de su enfermedad (puesto que el tumor había vuelto a crecer), se presentó en los Premios Grammy Latinos, donde fue ganadora del premio, y participó en el musical cantando por primera vez en vivo "La negra tiene tumbao" dedicándoselo a su sobrino Germán Alcides Rivero Cedeño. En marzo de 2003, su último año de vida, le fue ofrecido un homenaje por parte de la cadena hispana estadounidense Telemundo, en el que participaron figuras como Gloria Estefan, Marc Anthony, La India, Gloria Gaynor, Patti LaBelle y otros más.

La tarde del 16 de julio de 2003, falleció en su casa de Fort Lee (Nueva Jersey) a la edad de 77 años. Por deseo expreso de ella, sus restos mortales fueron primero trasladados a Miami durante dos días para recibir el homenaje de sus admiradores del exilio cubano, regresando y reposando finalmente en el Cementerio Woodlawn del Bronx (Nueva York).

En febrero de 2004 su último álbum, publicado después de su muerte, ganó un Premios Lo Nuestro como mejor álbum de salsa del año.

Al año siguiente fue publicada una biografía titulada Celia: Mi vida, basada en más de 500 horas de entrevistas con la periodista mexicana Ana Cristina Reymundo. Se planeó llevar al cine la historia de su vida y la actriz estadounidense Whoopi Goldberg, admiradora de la cantante, manifestó su interés en representarla, pero el proyecto fue rechazado en el 2005.

A lo largo de una carrera de más de 50 años en los escenarios, cosechó multitud de éxitos, premios y reconocimientos. Es poseedora de una estrella en el Paseo de La Fama en Hollywood y en Caracas, cinco premios Grammy, doctorados Honoris Causa de tres universidades de Estados Unidos, así como haber recibido en 1994 el premio National Endowment for the Arts, de manos del entonces presidente Bill Clinton, que constituye el más alto reconocimiento que otorga el gobierno de los Estados Unidos a un artista. Multitud de discos de oro y platino, una carrera donde grabó más de 80 discos, y fue acompañada por los más grandes cantantes de su tiempo, incluidos muchos de habla no hispana, son muestra del enorme reconocimiento internacional que recibió Celia Cruz, que justamente fue llamada La Reina de la Salsa.

En el 2004, los organizadores del Carnaval de Santa Cruz de Tenerife le dedicaron la presentación de ese año a la cantante, como tema principal del carnaval. La Gala de Elección de la Reina del Carnaval se cerró con la canción "El Cielo Tiene Azúcar" compuesta por los autores canarios Gilberto Martín y Guillermo Albelo e interpretada por el grupo tinerfeño Sound Balera. La canción fue acompañada por todos los componentes de las comparsas del Carnaval de Santa Cruz de Tenerife. También su marido Pedro Knight estuvo presente en este homenaje. Además, durante la Gala el alcalde de la ciudad de Santa Cruz de Tenerife, Miguel Zerolo Aguilar, declaró a Celia Cruz como Reina de Honor del Carnaval de Santa Cruz de Tenerife.

El 25 julio de 2013 la cantante Jennifer López homenajeó a Celia con su presentación en la ceremonia de los American Music Awards. Su particular homenaje conmovió al público presente.

En octubre del año 2015, la cadena RCN de Colombia, lanzó una serie biográfica y novelesca acerca de la vida de Celia Cruz. Dando así un merecido homenaje por parte del pueblo colombiano.

Nuestro pequeño pero sincero homenaje a una de las grandes artistas de nuestra música popular, en este el día que estaría cumpliendo años!! El cielo ahora se llenó de AZUCARR, de nuestra CELIA CRUZ!!!

MAS SALSA QUE PESCAO!

"LAVOE FOREVER"

"LAVOE FOREVER"

Ismael Zarate Miranda

Héctor Lavoe un ícono indiscutible de la salsa, el "Che" de la clave y el montuno, la gran figura controvertida e irrepetible de la salsa, que se creó y que se auto destruyó, el hombre que convivió con el infierno y la gloria, fue capaz de llegar a extremos que ni él mismo dimensionó, para bien o para mal.

Su vida no fue una línea recta, fue una historia llena de recovecos y entre telones, desde su original Machuelo Abajo en Ponce, Puerto Rico, que lo vieron nacer un 30 de setiembre de 1946 con su verdadero nombre; Héctor Juan Pérez Martínez,

Compilar su vida es todo un reto, su historia es como aquel espejo roto dividido en mil pedazos que cada biógrafo tiene la tarea de comenzar a desenmarañar, su historia comienza en su querido Puerto Rico, pero que se despliega y se nutre en todo Latinoamérica, el caribe y por supuesto en la gran selva de cemento, Nueva York, el cantante, el héroe, el villano, en fin, el actor de mil y un anécdotas, de una vida llena de leyendas y mitos, pero también está, el del ser humano con sus debilidades e inseguridades que lo acompañaron en una vida marcada muchas veces por la desgracia, nos dejó para la posterioridad la interpretación de su obra, que nos dan cuenta de su grandeza, de porque se convirtió sin duda alguna en una de las más grandes leyendas del género, y ser bautizado “el cantante de los cantantes”.

El destino hizo que estos dos genios, Willie Colón y Héctor Lavoe crearan una simbiosis para siempre, juntos grabarían 11 discos, convirtiéndose en figuras indiscutibles del sello Fania. Tiempo después, grabaría nueve álbumes en solitario, siempre bajo la tutela del propio Willie Colón.

Pero fue en aquel frio invierno de agosto de 1986 cuando a las cuatro de la mañana del vuelo 541 de LAN Chile llegaría el jibarito de Ponce a tierras peruanas, tenía 41 años cuando arriba por primera vez, y nos brindaría cinco noches de inolvidables recitales en los cuales empezaría ese gran romance con el pueblo peruano, primero idolatrándolo y luego casi santificándolo, empezando ya el gran mito de Lavoe en tierras peruanas.

No hay un cantante que haya llegado tanto al alma popular llevándolo casi a la santidad. Años atrás, la gente se tatuaba a Sarita Colonia, ahora lo hacen con Lavoe", un hecho más marcado es en nuestro Callao.

Ir por el Callao y no escapar de la mirada de Lavoe es difícil, representado en numerosos murales desperdigados por calles y avenidas, que lo recuerdan en su mayoría con sus gafas oscuras de aviador y su cabeza posada sobre su puño, tal y como aparece en la portada del disco "De ti depende" (1976).

El rostro de Lavoe se ha convertido en un símbolo de identidad para el Callao", es común también encontrárselo en los adhesivos que decoran los miles de coches, mototaxis y camionetas que saturan las avenidas de Lima y Callao, y cuyos conductores alzan el volumen de la radio cada vez que suena uno de sus temas, hinchas de la rosada, el Sport Boys, el club de fútbol más popular del Callao, adoptan el rostro del "cantante de cantantes" entre sus símbolos.

Generaciones que nunca conocieron a Lavoe hoy lo idolatran argumentando que han escuchado la música de Lavoe desde la barriga de sus madres.

Una de las razones por las que la música de Lavoe caló tan fuerte en el Callao y el Perú fueron sus letras, ya que fueron hechas para que llegaran directamente al alma popular de los barrios.

Lavoe fue el primer cantante al que le dedicaron un busto, y fue en el Callao, el año 2004, incluso antes que se hiciera en Puerto Rico.

Cada uno tiene su propio Héctor Lavoe personalizado, de acuerdo a como lo ha vivido, lo ha  sentido, lo ha disfrutado… lo ha idolatrado, en cada tema que se inspiró y lo que le impregnó en cada canción que nos retrató, a cada soneo, a cada una de sus frases memorables. Su mundo fue tan diverso y amplio que aún hoy estamos descubriéndolo.

“Vivir...sin sentir vergüenza de vivir feliz. Cantar...y aunque  todos se opongan tratar de reír. Yo sé...que la calle esta dura pero ya cambiara por eso nada impide que repita que la vida es bonita y es bonita”.

“FELIZ CUMPLEAÑOS HECTOR LAVOE”

Nuestro pequeño pero sincero homenaje en este su natalicio del Jibarito de Puerto Rico, el Flaco de Oro, el Rey de la Puntualidad, el Cantante de los Cantantes o simplemente “HECTOR LAVOE”.

Ismael Zarate M. / Mas Salsa que Pescao Peru!

Hasta siempre señor Bongo!

 Hoy nos dejó otro grande el señor Bongo don Roberto Roena, músico y director de orquesta. Conocido también como Gran Bailarín montaba rutinas de baile con su hermano Francisco “Cuqui” Roena. Desde niño aprendió a tocar el bongó.  A los nueve años se fue a vivir con su familia a Santurce, 

En 1954 compitieron en el show de televisión de Myrta Silva donde resultaron ganadores, esto les brindó la oportunidad para ser contratados por un año en el famoso programa de espectáculos “La Taberna India” que se transmitía todos los miércoles y donde conoció a Rafael Cortijo y su Combo.

A los 16 años, tuvo la oportunidad de tocar con el Combo de Rafael cortijo

Integraría luego con El pianista Rafael Ithier el gran combo de Puerto Rico, continuó tocando durante nueve meses, hasta que decidió viajar a Nueva York unirndose a la All Stars Band de Mario Ortiz.  Después de cinco meses volvió a reunirse con sus excompañeros del Combo de Cortijo en mayo de 1962 para conformar El Gran Combo de Puerto Rico, fue integrado también por Quito Vélez, Eddie Pérez “La Bala”, Martín Quiñónez, Miguel Cruz y Héctor Santos.

Cuando el bongosero oficial de El Gran Combo, Daniel “Maninín” Vázquez, salió del grupo fue reemplazado por Roena. En suma, su experiencia como bailarín enriquecieron al grupo que creó fabulosas coreografías. Durante su permanencia con El Gran Combo participó en las clásicas incursiones de descargas: Puerto Rican All-Stars Featuring Kako, grabada en 1963, y en la de 1967, “Los Mejores Músicos de Puerto Rico”, dirigida y arreglada por Ray Santos.

Roberto Roena hizo su primera grabación esta vez como director de una banda llamada Roberto Roena y sus Megatones en el álbum Se Pone Bueno / It Gets Better producido por Pancho Cristal para el sello Alegre temas como Si Los Rumberos Me Llaman, Que Se Fuñan y Descarga Los Megatones entre otros.

Roena salió definitivamente de El Gran Combo a mediados de 1969, a raíz de diferencias personales con Andy Montañez. Con la experiencia acumulada en El Gran Combo y la dedicación al estudio de la percusión en todas sus formas, Roena decidió formar su propia agrupación convocando a músicos de la talla de los trompetistas Mario Álvarez Cora, excompañero del combo de Cortijo y Elías López, el trombonista Osvaldo “Cuchón” Núñez, Al Albreu y Piro Mantilla, entre otros; El Apollo Sound fue el nombre de la orquesta; la formación impactó con un sonido musical versátil.

El tema más popular para ese momento, Tu Loco Loco, Y Yo Tranquilo, fue compuesto por Catalino Tite Curet Alonso, también fueron éxitos los temas Consolación, El Escapulario y El Barrio Sin Guapo. Roena recibió ayuda de su amigo Orlando “Peruchín” Cepeda. Roena fue una persona preocupada por contratar y trabajar con los mejores músicos y arreglistas, tales como: Bobby Valentín, Elías López, Luis “Perico” Ortiz, Julio “Gunda” Merced, Papo Luca, Louis García, Tito Rivera y Humberto Ramírez. Del álbum Roberto Roena y su Apollo Sound 2 surgieron éxitos como: Chotorro, Mandingore y Te Lo Voy A Jurar.

Lucky lanzó en 1976 Mi Desengaño, co-escrito por Julio “Gunda” Merced.  El álbum en mención, popularizó varios temas como Que Me Castigue Dios, Me Le Fugué A La Candela y A Bailar Mi Bomba, entre otros. El álbum “Roberto Roena y su Apollo Sound 9” salió a la luz con gran éxito en 1977.  Este álbum es probablemente uno de los más vendidos de Roberto Roena. Sus éxitos y popularidad continuaron. Debemos mencionar que siempre se ha caracterizado por su estilo particular: pintarse el cabello de colores, tocar percusión en ropa interior y también es recordado por el espectáculo que dio cuando voló amarrado de un arnés en el Madison Square Garden. En el año 1994, celebró los 25 años de su orquesta con un exitoso concierto en el Centro de Bellas Artes, en ese momento su música experimentó una suerte de nueva propuesta musical. Roena le ha aportado mucho a la fama de la Fania All Stars, una década de los 70s. Cada vez que miremos en la noche el cielo veremos en cada estrella tus pasos de baile que nos dejaste y sonará siempre ese eterno Bongo que ahora desde el cielo sonará!! Más Salsa que Pescao Perú!

El salsero “subterráneo”

El salsero “subterráneo”

…Hay que cambiar, José

la Flamboyán le dice por qué

 

Queremos cambiar el sistema

removiendo a todos los payasos

Si los políticos no cambian

la destrucción vendrá muy pronto.

 

Hay que cambiar, José

la Flamboyán le dice por qué

 

Viviendo con tantas promesas

y nunca cumplen sus palabras

Despierten los del tercer mundo

que juntos así venceremos….

Parte de la letra del tema “Ciencia política” del cantante dominicano Lenin Francisco Domingo Cerda, quizás más conocido como "Frankie Dante", nace en Santo Domingo, República Dominicana, un día como hoy, 15 de septiembre de 1945,  comienza su carrera en 1968, cuando firma un contrato con los productores de Cotique Records. 

Junto a ED Edenfield crearon la Orquesta Flamboyán la cual desarrollo ocho grabaciones a lo largo de su carrera musical: Los Coquetones, Different Directions, Se Viste De Gala, Orquesta Flamboyán con Larry Harlow, Markolino Dimond Con Frankie Dante Beethoven's V, Orquesta Flamboyán Los Salseros De Acero –con la participación de Tito Puente y Charlie Palmieri ,  The Flamboyán All Star Band Frankie Be Bop y Los Rebeldes.

Destacó musicalmente en la ciudad de Nueva York, entre los años 1968 y 1979, poseyendo un estilo caracteristico para su canto, además de la característica nasal de su voz y su gran capacidad para crear improvisaciones de protesta en su canto, fue influenciado por artistas como Willie Colón y Eddie Palmieri de La Perfecta.

Contó con grandes representantes de la salsa en sus grabaciones como, Ángelo Rodríguez, Sal Cuevas, Ray Maldonado, José Mangual Jr., Milton Cardona, Ismael "Pat" Quintana, Joe Mannozzi, Harry Vigianno, Ray Romero, Jerry González, Larry Harlow, Ray Armando, Leopoldo Pineda, Frankie Malabé, Orestes Vilató, Willie Colón, Tito Allen, Larry Spencer, Charlie Palmieri, Tito Puente, Ricardo Marrero, Marcolino "Mark" Dimond, Chivirico Dávila, Nicky Marrero, Frank Malabé, Mike Collazo, Eddie "Guagua" Rivera, Lewis Kahn, Reinaldo Jorge, Barry Rogers, Yayo "El Indio", Pete "El Conde" Rodríguez, entre mucho otros.

Su música dio mucho de qué hablar en su momento, con su voz hiriente (un trombón mas), sus letras de corte social que criticaban la intervención norteamericana en la lejana Vietnam, su canto que incentivaba a hacer el amor y no la guerra, al igual que muchos activistas que protestaban por lo mismo, lo vieron como un hombre rebelde y disidente. Sin embargo, su invaluable trabajo musical, ha sido reconocido por los miles de melómanos que reviven en cada esquina la genuina expresión del barrio, hiriente, agrio y agresivo, siendo su herencia sus pregones cada vez más vigentes en nuestros países latinoamericanos, todo un grito de protesta, y como el buen vino con los años se le escucha mejor.

El salsero subterráneo, Lenin Francisco Domingo Cerda o simplemente Frankie Dante, fallece víctima de cáncer el 1 de marzo de 1993.

 

Ismael Zarate M. / 28 de agosto de 2021

“Más Salsa que Pescao! Perú” / desconexión maelo

https://youtu.be/fYmiGtdntmk

 https://youtu.be/uGpyZNZOehY

https://youtu.be/1HeSdxNQPEA

 

EL CUCHIFRITO DE LOS SELLOS QUE NUTRIERON AL MONSTRO FANIA

 

EL CUCHIFRITO DE LOS SELLOS QUE NUTRIERON AL MONSTRO FANIA

Cuando Pacheco y Jerry Masucci forman el sello de salsa Fania Records, no fue solo por una casualidad del destino, este dúo además de la gran amistad que los unía, poseían otras cualidades muy importantes, por un lado una aguda perspicacia para los negocios y por otro un innegable ojo para el descubrir nuevos talentos.

Y es en ese afán de querer imponerse y conquistar el gran mercado de la música latina, es que se manejaron muchas estrategias, entre una de tantas (como lo describo en el artículo “Globalizacion, salsa y cultura”) fue el ir adquiriendo sellos discográficos, primeramente en la ciudad de Nueva York, sus potenciales rivales, como Alegre Records propiedad de Alberto Santiago Álvarez a simplemente Al Santiago, Tico Records propiedad de George Goldner y más tarde adquirida por Morris Levy e incorporada a Roulette Records, y finalmente Cotique Records, propiedad de George Goldner  a principios de la década de los 70s, adquisiciones que redujeron su competencia y expandieron su lista de nuevos artistas del ámbito latino en la gran manzana.

 Se crearían también las subsidiarias Vaya records, una filial de comercialización en la que entraron como socios Larry Harlow, Alex Masucci y Leon Gast, (a quienes luego Jerry Masucci les compraría sus partes) y luego International records, que fue manejado por el propio Jerry Masucci con ayuda de José Florez y Jorge Beillard, Vaya tendría como primer gerente y productor ejecutivo a Harvey Averne, luego pasaría a manos de Alex Masucci hermano de Jerry Masucci.

Continuarían agregando al nuevo imperio FANIA otros sellos ya fuera de la gran manzana y uno de los primeros seria el famoso sello Inca Records de Puerto Rico, de los empresarios,  el puertorriqueño Jorge Valdés y el cubano Pedro Pai.

Inca Records, que comenzó en 1965 gracias a los esfuerzos de Jorge Valdés, y el cubano Pedro Pai, el cual vivía en Puerto Rico, fue una plataforma de lanzamiento para luminarias tan importantes como Tommy Olivencia, Willie Rosario y La Sonora Ponceña entre otros, Inca Records lanzó música como subsidiaria de Fania hasta 1995,

Tommy Olivencia y La Primerísima Orquesta de Puerto Rico, fueron de los primeros en firmar por el sello Inca. El álbum debut del grupo en 1965, incluyó una versión temprana del clásico de salsa «Trucutu». La grabación contó con el sonero Chamaco Ramírez, quien se unió a Olivencia cuando apenas tenía 16 años. Ramírez lidera la canción con su tenor ligeramente nasal, reconocible al instante, adicionándole la autoría del mismo, demostrándonos su habilidad como compositor, vendrían luego «Fire Fire In The Wire Wire», en 1967, esta vez se presentaba a Ramírez cantando junto al sedoso Paquito Guzmán, sus dos voces fusionadas en una maraña de éxtasis de trompetas y percusión.

Para 1960, un líder de orquesta y multiinstrumentista puertorriqueño llamado Willie Rosario ya había rebotado en un par de sellos diferentes. Había pasado un tiempo con Alegre Records, actuando en algunas grabaciones de los Alegre, y luego haría un álbum de boogaloo en Atlantic Records. Debido a que se mudó a Nueva York cuando era joven, es Bobby Valentín, quien lo promueve para que participe en Inca Records. Después de firmar con el sello, Rosario lanzó El Bravo De Siempre de 1969, que tendría gran éxito en la isla.

La Sonora Ponceña seria el gran aporte al naciente sello, La banda se formó a mediados de la década de 1950 gracias a los esfuerzos de Enrique “Quique” Lucca Caraballo, el director original de la banda. Su hijo, un niño prodigio del piano Papo Lucca, finalmente tomaría las riendas como director. Tocaría con la banda durante años antes de liderarla, incluso cuando tenía 21 años en el primer lanzamiento de Inca Records de Sonora Ponceña, Hacheros Pa ‘Un Palo.

Chamaco Ramírez grabaría su único disco en solitario, titulado Alive And Kicking, después de un período de lucha contra la adicción y el encarcelamiento. Su voz, una combinación de fuerza y vulnerabilidad, brilla tanto en el vivaz “Kikiriki” como en el estilo bolero “Cuando Manda El Corazon”.

Lo mismo ocurriría con Leyo Peña y Monguito Santamaría, ambos casi olvidados en la historia de la música. Peña era un líder de banda que amaba la variedad. Después de su debut en 1967 Feliz Yo Viviré, el grupo de Peña ofreció Que Traigan El Son Cubano de 1972, que combinaba guaguancó, son cubano y cha-cha-cha “Guaguancó Borincano” es un ejemplo de la facilidad con la que fusionan estos sonidos. Monguito Santamaría era hijo del afamado percusionista Mongo Santamaría, pero su instrumento era el piano, mostró la amplitud de su habilidad en En Una Nota!, canciones como “Devuélveme la Voz” cuentan con improvisaciones sublimes.

Inca Records lanzó un último disco Que Te Vas, de Johnny Olivo, antes de unirse al gran sello Fania. Masucci recurrió a Ray Barretto y Larry Harlow para ayudar con la producción de los artistas puertorriqueños recién adquiridos por el sello. Harlow recordaría el tercer disco de Sonora Ponceña, Algo de Locura. «Esa fue una de mis primeras producciones», dijo, «Y Jerry Masucci me asignó eso». Aunque no sabía mucho sobre la banda, fue capaz de sacar a relucir su arte audaz y contundente. “Eran una banda simple y fácil de producir, porque solo eran trompetas”, recuerda Harlow. “Eran una buena banda, muy bien ensayada, porque tocaban todos los días en Puerto Rico y llevaban un tiempo tocando esas canciones antes de entrar al estudio”. La fluidez de su asociación se puede escuchar en canciones como “Acere Ko (Rumbon)”, el primer corte del álbum.

Barretto, también influiría en la dirección de Inca. Cuidó sesiones con bandas como la Orquesta Nater, que a pesar de tener un disco en el sello impresionó con el pegadizo “Vamos A Soñar”. Barretto también tuvo una participación indirecta en la formación de Típica 73: la banda estaba formada por sus ex integrantes, muchos de los cuales tenían afinidad por los ritmos de la charanga. La formación de Típica 73 cambió a lo largo de los años, pero su inclusión de músicos puertorriqueños y cubanos reflejó los lazos entre las dos islas y cómo intercambio de la tradición de la salsa de la otra. Su lanzamiento homónimo en Inca Records fue supervisado por el mismo Johnny Pacheco y resultó en «Acere Bonco», por su ritmo vertiginoso.

Y es en ese afán de expansión llegaría a pisar tierras peruanas el mismísimo Jerry Masucci, para firmar un contrato con la disquera peruana Infopesa propiedad  de Alberto Maravi, y poder difundir en el Perú su extenso catálogo.

Ismael Zarate M. / MAS SALSA QUE PESCAO PERU